martes, 29 de marzo de 2011

Philip K. Dick y el cine #1


A raíz del estreno de Destino oculto y de la inminente proyección de Desafío total en la sesión del 31 de marzo de Phenomena, desde aquí hemos querido repasar la filmografía de las películas basadas en novelas del gran escritor Philip K. Dick. A pesar de tener algunas adaptaciones un tanto irregulares, otras ya se han convertido en auténticas joyas cinematográficas y han pasado a la historia del cine. No hace falta ser un fanático de la ciencia ficción para haber visto más de una de sus adaptaciones, en Despuesde1984 queremos repasar la lista.

La persona:

Con treinta y seis novelas y 121 relatos cortos a sus espaldas Philip K. Dick (Chicago, 1928 – 1982) fue uno de los escritores estadounidenses de ciencia ficción que influyó notablemente en el género. Su vida estuvo marcada por las visiones que tenía, con anécdotas como una visión que salvó la vida a su hijo,  cuando detectó que tenía una hernia, mientras que lo médicos no veían nada. En palabras que él mismo declaró  a Charles Platt: "experimentaba una invasión de mi mente por una mente transcendentalmente racional, como si yo hubiese estado loco toda mi vida y de repente me hubiese vuelto cuerdo". Incluso llegó a proclamar que vivía una doble vida, una como él mismo y otra como un cristiano perseguido por los romanos del siglo I. No es de extrañar que él mismo proclamara la posibilidad de que sufriese esquizofrenia

En 1963 le llegó el reconocimiento de la crítica cuando ganó el premio Hugo por su novela El hombre en el castillo, considerada como una obra maestra del subgénero de la ucronía (género literario que también podría denominarse novela histórica alternativa, y que se caracteriza porque la trama transcurre en un mundo desarrollado a partir de un punto en el pasado en el que algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como lo ocurrió en realidad). A pesar de ello y de ser muy conocido dentro del mundillo de la ciencia ficción, siempre fue un desconocido para el resto del mundo literario y no disfrutó del éxito en vida. Sin embargo, tras su muerte, con la adaptación al cine de varias de sus novelas ha llegado a ser uno de los escritores más famosos e importantes de la ciencia ficción. En sus obras se refleja su interés por la metafísica y la teología y muy a menudo se basó en su propia vida reflejando en sus obras su obsesión por las drogas, la paranoia y la esquizofrenia (A Scanner Darkly, SIVAINVI). Nunca llegó a ver adaptada al cine ninguna de sus novelas, falleció cuatro meses antes del estreno de Blade runner, aunque antes pudo visualizar algunas escenas de la película. Parece ser que aunque Philip K. Dick quedó entusiasmado con el aspecto visual de Blade runner no le gustó tanto la adaptación del guión.

1962 – Impostor, Imposter (Peter Hammond)


Aunque muchos nos pensábamos que Blade runner era la primera de sus obras adaptadas, en realidad fue el episodio de una serie de ciencia ficción para la televisión británica. Out of this world, serie emitida en 1962 por la ABC, fue presentada por Boris Karloff introduciendo cada uno de los 13 episodios de temática fantástica. Impostor, basada en un cuento del mismo título, se emitió el 21 de julio de 1962 y cuestiona cómo se define la identidad de una persona, es decir ¿Qué es lo que hace a una persona ser ella misma y no otra?. Entre los 13 capítulos de la serie también se encuentra Little Lost Robot basada en uno de los relatos de Yo robot de Isaak Asimov, disponible en youtube.

1982 – Blade runner (Ridley Scott)


"He visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir..."

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. No eran más que robots que trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena.

La película que puso a Philip K. Dick en el punto de mira de Hollywood. Dirigida por un Ridley Scott en estado de gracia permanente en aquel entonces tras haber filmado Los duelistas (1977) y Alien, el octavo pasajero (1979). Aunque en un principio dividió a la crítica poco a poco se fue convirtiendo en una película de culto que posteriormente ha servido de fuente de inspiración a otras muchas otras. En Blade runner vemos un futuro de neón, publicidad ubicua y vapores sólidos donde Harrison Ford persigue, por la gran megalópolis, unas máquinas con ansias de inmortalidad.

1987 – Patrulla matutina, Proini Peripolos (Nikos Nikolaidis) 


Desconocía esta adaptación de Philip K. Dick y de hecho es muy difícil encontrar información de ella. Se trata de una película griega y más que una adaptación la película incluye extractos de la obra de Dick. Nikos Nikolaidis es un auténtico director de culto en el cine griego, creador de películas ciertamente impactantes y provocadoras. Toda una rareza muy difícil de conseguir.

1990 – Desafío total, Total Recall (Paul Verhoeven)


En el año 2084 Douglas Quaid (Arnold Schwarzenegger) es un hombre corriente, que trabaja como obrero de la construcción, es un ciudadano más que vive su vida atado a su trabajo en la Tierra junto a su esposa Lori. Está obsesionado por un sueño recurrente en el que pasea con una bella mujer en Marte. Como su esposa no desea ir de vacaciones al planeta rojo, ya que está plagado de terroristas, Quaid decide que si no puede ir en persona, lo hará en su imaginación, y decide visitar Recall, una compañía especializada en implantar falsos recuerdos. Cuando le están intentando implantar el recuerdo, los técnicos de Recall descubren que Quaid parece haber sido objeto de un proceso previo de implantación de falsos recuerdos. Quaid se despierta y cree ser un agente secreto al que se le ha descubierto la "tapadera" o identidad secreta, por lo que lo sedan, le restauran la memoria y lo envían a casa. Al volver a casa Quaid descubre que su mujer, Lori, junto con unos amigos, tratan de matarle. Consigue esquivar a Lori y descubre que su vida en los últimos meses son falsos recuerdos, y que tanto ella como sus amigos están allí para no perderle de vista.

El director holandés Paul Verhoeven después de Los señores del acero (1985) y de Robocop (1987), adaptó el relato corto Podemos recordarlo todo por usted de Dick. La película fue todo un éxito en taquilla y ganó el Oscar a los mejores efectos visuales. Fue una de las últimas películas de Hollywood en hacer uso a gran escala de efectos especiales a base de miniaturas en lugar de imágenes generadas por ordenador, un año más tarde también con Arnold Schwarzenegger, en Terminator 2, se instauró el uso de los ordenadores en los efectos especiales.



Basada en su novela Confesiones de un artista de mierda se trata de un drama mezclado con comedia sobre un escritor que pierde su casa. La cinta sigue las aventuras de Barjo (Hippolyte Girardot), un excéntrico que se muda a casa de su hermana Fanfan (Anne Brochet) y su marido Charles (Richard Bohringer). Barjo pasa las horas dibujando bocetos de sus inventos y anotando sus observaciones de la vida, mientras el matrimonio de su hermana se desmorona y él cae en una espiral de locura.

Al igual que Proini Peripolos es otra de las rarezas dentro de esta lista, en este caso por ser la única adaptación fuera del terreno de una realidad alternativa y de la ciencia ficción que se ha hecho de la obra de Dick. Indie de bajo presupuesto francés, una de las películas de Philip K. Dick más desconocidas es a su vez su obra más autobiográfica que retrata a un hombre compulsivo y obsesivo, como lo fue él mismo. Película que no goza de mucha reputación y que se encuentra bastante relegada al olvido.

1995- Asesinos cibernéticos, Screamers (Christian Duguay)


Thriller futurista ambientado en el año 2078. En un lejano planeta minero devastado por una década de guerras, un grupo de militares pretende aniquilar a unos androides llamados Screamers que solamente se distinguen de los humanos por sus particulares chillidos. Androides que a lo largo de la película demuestran capacidad de adaptación y mutación hasta extremos inesperados.

Adaptación del cuento corto La segunda variedad, fue una película que la crítica puso a caldo. Realizada con un bajo presupuesto y con una factura muy cercana a la serie B, Screamers crea división entre los fans de Philip K. Dick y la ciencia ficción. Unos la ponen de ejemplo de película sin presupuesto que explota sus virtudes argumentales, los otros opinan que es una cinta de muy mala calidad con un pésimo guión. Con un Peter Weller post Robocop y un ambiente decadente se presenta una cinta que de ser tan mala ya se habría olvidado con el tiempo.

1999 – Desafío Total 2070, Total recall 2070


Serie de 22 episodios que los que la han visto dicen que era más fiel a la imaginación de Philip K. Dick que la película de Verhoeven. Lo tenía todo para triunfar. Está ambientada en una megalópolis que es reflejo fiel de la de Blade Runner. Suena en todo momento una música de fondo que evoca irremisiblemente a esta película, el resto del toque cyberpunk lo proporcionan unos entornos oscuros, lúgubres, con un alto componente oriental y unos ventiladores que giran mientras filtran la escasa luz que les llega; también juegan los anuncios en chino o japonés e inglés, las consabidas corporaciones, la correspondiente tecnología punta, con robótica, sistemas inteligente, etc.

Una ambientación muy lograda y adecuada que, sin ser ni nuevas ni originales, podrían haber funcionado perfectamente. El caso es que la serie (producción germano-canadiense) fue un fracaso y pasó de puntillas por los canales de pago. Una vez más división de opiniones entre los fans.


domingo, 27 de marzo de 2011

10 Comprimidos de cine

¿Cuantas veces has ido al cine y te has quedado con la sensación de que la película mejoraría sin algunas escenas? ¿Recortarías algunos planos de la escena de la nieve de Origen? ¿Te cargarías la explicación en The box? ¿Amputarías las campanas de Rompiendo las olas? ¿Preferirías que la madre Jar Jar Binks hubiese abortado? Pues si tienes todos estos síntomas te hemos preparado 10 comprimidos contra el metraje extra.

Jameson, la marca irlandesa de whisky que celebra desde hace nueve años el notodofilmfestival en nuestro país, sigue fiel a su apuesta por el cine, los cortos y los nuevos creadores más allá de nuestras fronteras y celebra cada año junto con la revista inglesa Empire un festival de cine comprimido, Done in 60 seconds. La idea es simple, se trata de elegir una película, y rehacerla con una duración máxima de 60 segundos. Si después de tomarte los 10 comprimidos que te hemos preparado sigues obsesionado por el metraje extra de alguna película ya tienes un reto, haz que dure 60 segundos y preséntate el año que viene. ¡Suerte!

10.- Ghost


9.- Evil dead


8.- El club de la lucha


7.- Amelie


6.- Scott Pilgrim contra el mundo


5.- Terminator


4.- El mago de Oz


3.- Origen


2.- La red social


1.- Psicosis

jueves, 24 de marzo de 2011

Inside job

Título original: Inside job
Año: 2010
País: USA, UK
Dirección: Charles Ferguson
Música: Alex Heffes
Fotografía: Kalyanee Mam y Svetlana Cvetko
Montaje: Chad Beck y Adam Bolt


Valoración: 9/10
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/insidejob_site/



¿ Por qué le deben pagar a un ingeniero en finanzas de cuatro a cien veces más que a un ingeniero de verdad?
Un ingeniero de verdad construye puentes.
Un ingeniero de finanzas construye sueños.
Y cuando esos sueños resultan ser pesadillas, otra gente la paga.

"Discúlpenme, pero debo empezar señalando que tres años después de que estallara nuestra horrible crisis causada por el fraude financiero masivo, ni un solo ejecutivo ha sido encarcelado, y eso está mal". El discurso que Charles Ferguson pronunció tras subir a recoger el Oscar al mejor documental el pasado 28 de febrero a más de uno se le tiene que haber atragantado. Inside job analiza las claves que causaron el famoso crash financiero en Wall Street del 2008 provocando una crisis a escala mundial.

Sin tener nada que ver con los efectistas montajes teatrales de Michael Moore, Ferguson se dedica a entrevistar a varios de los protagonistas sacándole las vergüenzas a banqueros y multimillonarios, políticos y reguladores, desreguladores, académicos e incluso líderes mundiales de una forma muy fina y elegante.


El documental está seccionado en cinco partes ordenadas cronológicamente: Cómo llegamos aquí, La burbuja, La crisis, Responsabilidad y Dónde estamos ahora. La cinta narra la historia de un atraco perpetrado por una serie  de elementos que llevaron a la quiebra sus corruptas empresas y que no sólo no fueron a la cárcel sino que además vuelven a estar recolocados en el gobierno con los bolsillos bien llenos a día de hoy. En Capitalismo: una historia de amor veíamos como con la llegada al poder de Obama todo cambiaba y los nubarrones de la era Bush desaparecían, Inside job nos muestra cómo se ha quedado en pause el reajuste de Obama y el sistema sigue con los mismos defectos.

Lo primero que vemos en Inside job a modo de prólogo es la crisis de Islandia, país tradicionalmente rico y con un alto nivel de vida, que sufrió una caída en picado debido a un exceso especulativo por parte de los bancos. Hacia el final veremos que uno de los personajes, Frederic Mishkin, prestigioso economista, profesor de la Escuela de Negocios de Columbia y exmiembro del Consejo de la Reserva Federal, cobró 100.000 dólares de la Cámara de comercio de Islandia por augurar en un informe, meses antes de la caída, la gran estabilidad de su sistema económico. Pero aún hay más, Mishkin, después de caer la economía Islandesa ni corto ni perezoso cambia su currículum y en el título del informe donde ponía “estabilidad” del sistema económico Islandés ahora pone “inestabilidad” del sistema económico Islandés.


Mucha información en 120 minutos de metraje que aunque podría llegar a saturar no deja en ningún momento de sorprender. Ventas de hipotecas subprime justo antes del crash a sabiendas de que no valían “una mierda” (traduzco literalmente de la documentación de las entidades bancarias) y no siendo suficiente, una vez vendido el activo tóxico, apostar en el mercado contra esos productos para todavía ganar más dinero. Apalancamiento sin sustento y desregulación sin límites ante una voraz ambición. La dueña de un famoso club VIP de prostitución en Nueva York calcula que un 80% de su clientela es de Wall Street, destacando un elevado consumo de cocaína por parte de esa misma clientela. Valoraciones de las agencias de calificación de triple A a las entidades financieras con activos tóxicos.

Todo ello estrechamente relacionado con el mundo de la  política y con el poder de las grandes multinacionales. Durante 40 años el sistema financiero fue seguro y ahora los responsables de una crisis que han pagado las clases medias y bajas de todo el planeta siguen en el poder. Una visión sin color político narrada por la voz en off de Matt Damon, que seguramente tendré que volver a ver para poder entender todos los conceptos económicos y que pese a no ser nada nuevo, no utiliza la demagogia y te deja pasmado en la butaca. La web oficial de la película es altamente recomendable para acabar de entender las claves de la crisis, con todos los entrevistados del film, hasta los que pueden lamentar sus comentarios.

Lo mejor: Todas las entrevistas a los malos, especialmente Glen Hubbard, asesor económico de la era Bush.
Lo peor: Que nos haya costado más de 20.000.000.000.000$ realizar esta película.


miércoles, 23 de marzo de 2011

Blake Edwards en la Filmo


El 15 de diciembre del año pasado nos dejaba Blake Edwards. Este director y guionista pasará a la historia como el padre cinematográfico de La pantera Rosa, pero al margen de la saga y de otras comedias que lo hicieron famoso, Blake Edwards fue un director y guionista que se movió con cierta soltura por distintos géneros. La idea del ciclo es mostrar esta versatilidad a la misma vez que rendirle un merecido homenaje.

Su carrera es bastante irregular y aunque estuvo nominado al Oscar por el guión adaptado de ¿Víctor o Victoria? y se llevó la Concha de Oro por Días de vino y rosas, también se llevó un Razzie por Asesinato en Beberly Hills. Su filmografía estuvo marcada de forma constante por el personaje de La pantera Rosa, ya que fue su gran éxito en taquilla y al que recurría cada vez que quería ganar dinero. Su última película, por ejemplo, fue la infame El hijo de la pantera Rosa protagonizada por Roberto Benigni.

Pero Blake Edwards es mucho más que La pantera Rosa y es el responsable de una de las comedias absurdas más recordadas de finales de los 60, El guateque, y especialmente de Desayuno con diamantes, la película que convirtió a Audrey Hepburn en un icono y a Moonriver, de su gran amigo y compositor de cabecera Henry Mancini, en una de las canciones más famosas del séptimo arte. Este ciclo nos ofrece la posibilidad de ver estas dos cintas y algunas más en pantalla grande y versión original.
 
Chantaje contra una mujer
Jueves 24/03 a las 17:00
Viernes 25/03 a las 19:30
Glenn Ford y Lee Remick protagonizan una película de psicópatas rodada en un momento en que el género no era tan habitual. El resultado es un fantástico ejercicio de suspense psicológico con música de Mancini.
 
El guateque
Viernes 25/03 a las 17:00
Sábado 26/03 a las 22:00
Una de las comedias locas más celebres de la historia. El gag por el simple placer del gag. Comedia hilarante donde las haya protagonizada por su inseparable a la vez que odiado Peter Sellers que encarna a un tipo capaz de cargarse una magnífica fiesta. Increíble la escena del elefante

Días de vino y rosas
Sábado 26/03 a las 17:00
Lunes 28/03a las 22:00
Junto a Leaving Las Vegas es probablemente la película que mejor retrata la autodestrucción provocada por el alcohol. La cinta empieza como una comedia habitual de Edwards y evoluciona hacia el drama. Otra cinta con una increíble Lee Remick y un fantástico Jack Lemmon, ambos nominados al Oscar. Atención a la banda sonora de Mancini.

La pantera rosa
Sábado 26/03 a las 19:30
Domingo 27/03 a las 22:00
La primera película de una de las sagas de humor más famosas de la historia del cine (y de la televisión). Esta primera aventura del incompetente inspector Clouseau, interpretado por un magnífico Peter Sellers, arrasó en taquilla y marcó para siempre la carrera de ambos. Contiene otro gran clásico de Mancini.
Martes 29/03 a las 17:00
Jueves 31/03 a las 22:00
Este autohomenaje de Edwards se basa en una serie dirigida por él mismo y que le hizo famoso en los 50. El detective Peter Gunn investiga el asesinato de un gangster que una vez le salvó la vida. La cinta policíaca con tonos de comedia tiene un claro homenaje a La dama de Shanghai de Welles o al Crepúsculo de los dioses de Wilder.

¿Víctor o Victoria?
Lunes 28/03 alas 19:30
Jueves 31/03 a las 17:00
Comedia musical a mayor gloria de su musa y mujer, Julie Andrews. Esta maravillosa película nos habla de los roles masculino y femenino, de lo que queremos ser y de lo que somos y especialmente del arte del engaño. Desde la escena del restaurante del inicio se suceden situaciones y diálogos en estado de gracia permanente.

Desayuno con diamantes
Lunes 28/03 a las 17:00
Martes 29/03 a las 22:00
¿Qué queda por decir de esta magnífica película? Holly Golightly, Truman Capote, Henry Mancini, George Peppard, el gato, la guitarra, la lluvia, Moonriver, Tiffany’s y por encima de todos y todo, ella, Audrey Hepburn en el que es probablemente su mejor papel. Si alguien aún no la ha visto tiene una cita obligada.

Os dejamos el enlace a los dos programas de la Filmo que abarcan el ciclo: 29 y 30



martes, 22 de marzo de 2011

Destino oculto

Título original: The Adjustment Bureau
Año: 2011
País: USA
Dirección: George Nolfi
Guión: George Nolfi

Basado enAdjustment Team dePhilip K. Dick
Intérpretes: Matt Damon, Emily Blunt y Terence Stamp
Fotografía: John Toll
Música: Thomas Newman

Montaje: Jay Rabinowith

Valoración: 7/10
Web:
http://www.theadjustmentbureau.com/


El congresista David Norris (Matt Damon), aspirante a senador en Nueva York, conoce casualmente a Elise Sellas (Emily Blunt) la noche en que pierde sus primeras elecciones. El encuentro provoca en David un efecto inmediato que le hace triunfar esa misma noche en su discurso postelectoral; el único problema es que no tiene forma de volver a contactar con Elise. A los pocos días, después de otro encuentro casual, David se da cuenta de que se ha enamorado de Elise y ahora sí, le pide su teléfono móvil. Cuando llega a la oficina se encuentra por sorpresa a una especie de “hombres de negro” que están “manipulando” a su colega de campaña. Los hombres al verse descubiertos le explican que gobiernan el destino de la historia del mundo por el bien de la humanidad y que el encuentro casual que ese mismo día ha tenido con Elise no se tendría que haber producido. Destruyen el número de teléfono para que no pueda volver a contactar con ella y le amenazan diciéndole que si desvela su existencia a alguien le harán un reset cerebral (una especie de lobotomía que te deja bobo).

El caso es que David no puede olvidar a Elise y tres años después durante la preparación de la campaña electoral se la vuelve a encontrar casualmente. A partir de ese momento empezará la carrera no sólo por las elecciones sino por poder estar con Elise en contra de lo que quieren los hombrecillos de negro. Este es el punto de partida de Destino oculto, una vez más un título bastante mal traducido.



Guión basado en un relato de Philip K. Dick, escritor del que ya se han adaptado varias historias de ciencia ficción. La cinta de culto Blade runner de Ridley Scott  fue la primera, basada en su novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Después vendría la adaptación de su relato Podemos recordarlo todo por usted, que a primera vista quizás no lo conozca mucha gente pero si decimos que es Desafío total de Paul Verhoeven la conoce todo el mundo. Estoy pensando en hacer un post dedicado a las adaptaciones de Phillip K Dick, de momento para no alargar más completo la colección de películas adaptadas destacando Minority Report de Steven Spielberg basada en el Informe de la Minoría y A Scanner Darkly basada en Una Mirada en la Oscuridad. Una vez vista Destino oculto puedo decir que aunque no sea una de sus mejores adaptaciones, es una buena ópera prima.

Con un perfecto equilibrio entre el cine romántico y la ciencia ficción se nos presenta un film entretenido con aires de thriller. El reparto lo componen un omnipresente (en la cartelera y en la peli) Mat Damon y una correcta Emily Blunt. Personalmente me ha gustado mucho ver a John Slattery fuera de la serie Mad men (Roger Sterling es uno de mis personajes favoritos) a pesar de tener una intervención más bien corta. En su contra tiene que es una película que pasa bastante desapercibida y que además no tiene ningún momento estelar, vamos, que en unas semanas la olvidas. Por último quiero comentar, por si hay algún fan de Asimov, que la temática de la película recuerda en muchas ocasiones a las novelas de la Fundación, donde un grupo de psicohistoriadores ocultos controlaban y ajustaban el plan del destino de toda la Galaxia y donde los hechos fortuitos de la naturaleza y la voluntad humana de no ser una marioneta luchaban contra ella. Es la pregunta eterna y que se ha tratado miles de veces, ¿Se puede cambiar el destino de una persona?¿Puede afectar un cambio en el destino de una persona a toda la humanidad?

Lo mejor: La argumentación de los hombres de negro de su papel a lo largo de toda la historia.
Lo peor: Le falta intensidad.



domingo, 20 de marzo de 2011

The box

Título original: The box
Año: 2009
País: USA
Dirección: Richard Kelly
Guión: Richard Kelly
Basado en: Button, button de Richard Matheson
Intérpretes: Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella
Fotografía: Steven Poster
Música: Win Butler, Régine Chassagne y Owen Pallett
Montaje: Sam Bauer

Valoración: 7/10
Web: http://thebox-movie.warnerbros.com/


Imagina que estás durmiendo en tu casa y suena el timbre a media noche. Al abrir la puerta encuentras una caja de cartón y ves un coche que se aleja. Entras en casa con la caja, la abres y dentro hay otra caja con un botón en una cúpula de cristal y una nota que dice que alguien vendrá a media tarde. A la hora señalada vuelven a picar al timbre y aparece un hombre terrorífico, con media cara desfigurada que te propone un negocio singular. Si aprietas el botón, alguien a quien no conoces morirá y tú ganarás 1 millón de dólares. Tienes 24 horas para decidirte. ¿Qué harías? ¿Apretarías el botón? ¿Cuál es el precio de una vida? ¿Y el de la humanidad?

Este es el magnífico punto de partida de The box, una especie de vuelta macabra al argumento de Una proposición indecente. La idea está sacada de un relato corto de Richard Matheson, autor de obras como El increíble hombre menguante, Soy leyenda o algunos capítulos de The twilight zone. La historia y ambientación de The box es heredera directa de las series de suspense de los 60 pero con toques Lynch, con personajes inquietantes -atención a la vieja de la cena-, una atmósfera brillante y una tensión bien resuelta gobernada por la conspiranoia y que plantea dudas sobre la existencia del libre albedrío o la moral de la humanidad.


La cinta empieza de forma magistral, y durante la primera hora de metraje mantiene en vilo al espectador gracias a unos giros argumentales de lo más conseguidos y a una buena mezcla de géneros donde prima el suspense, el terror y el fantástico. El problema viene cuando intenta justificarlo todo. De repente nos explican una historia, que además de inverosímil no aclara nada y lo único que consigue es romper la cuerda que mantenía al espectador ligado a la película. Después de ese momento la cinta vuelve a levantar para ofrecernos un final interesante y sorprendente, pero el mal ya está hecho y el sabor que queda es el de haber presenciado una cinta mal resuelta que podría ser buenísima.

The box es el tercer largometraje de Richard Kelly que se hizo famoso por Donnie Darko. Después de un sonado fracaso con su segunda cinta, parece querer repetir la fórmula de su ópera prima, dado el fenómeno fan que despertó pese a no haber triunfado en taquilla. Donnie Darko también era una mezcla extraña de géneros, con muy buenas ideas y algún que otro error. Su intento de repetir fórmula tiene momentos brillantes que superan a Donnie Darko, pero también sus errores la superan y el resultado final es una película fallida e incoherente. Los papeles principales están interpretados por una muy creíble Cameron Diaz, un James Marsden algo soso y un Frank Langella en estado de gracia permanente, que se come todo cuanto le rodea en pantalla. The box cuenta además con una banda sonora creada por Arcade Fire.

La película estuvo en la selección de las mejores cintas del 2010 que hicieron algunas de las principales revistas de cine y que se pudieron ver en la Filmoteca de Barcelona. Pese a ser fallida, ofrece momentos de una calidad difícil de encontrar y suponemos que ese el motivo por el que entró en la lista. Esperemos que Kelly aprenda a corregir sus errores y a seguir con sus virtudes. Si lo logra es posible que se convierta en uno de los mejores cineastas del fantástico.

Lo mejor: El punto de partida de la trama
Lo peor: La justificación que además de aburrir no se entiende

viernes, 18 de marzo de 2011

Marianne Faitfull - Horses and high heels

Marianne Faitfull
Horses and high heels


Fecha lanzamiento: 18/02/2011
Sello: Naïve
Valoración: 8/10
Web: http://www.mariannefaithfull.org.uk







Marianne Faitfull acaba de cumplir 64 años y a estas alturas de la vida está disfrutando de una segunda o tercera juventud. Hace mucho tiempo que no queda casi nada de aquella jovencita virginal que se hizo famosa en 1964 con As tears go by. Su voz angelical ha dado lugar a una de las voces más castigadas por la mala vida, pero a la misma vez a una voz perfecta que, como el buen whisky, ha sabido mejorar con el paso del tiempo, y que canta como nadie la desesperación y el dolor.

La que fue musa de los Rolling Stones en los 70, cayó en desgracia víctima del abuso de las drogas, y como otros de su generación desapareció del panorama musical, llegando incluso a vivir en las calles de Londres. Pero a diferencia de la mayoría supo resurgir de sus propias cenizas y ha pasado de ser la musa y amante de los rockstars de los 70 a ser la abuela de las estrellas de los 90 y 2000, quienes la adoran, le componen temas y colaboran con ella. Desde que en 1997 colaboró con Metallica, la lista de colaboraciones es espectacular: PJ Harvey, Nick Cave, Damon Albarn, Jon Brion, Angelo Badalamenti, Beck, Jarvis Cocker, Antony, Teddy Thompson, Tom Waits, Rufus Wainwright, Roger Waters, Billy Corgan, Cat Power, ...

En su 23 álbum de estudio, a diferencia de lo que ocurría en sus anteriores trabajos Kissin' Time, Before the Poison o Easy Come, Easy Go, no hay prácticamente colaboraciones y ni siquiera hace alarde de las apariciones de Lou Reed, Dr. John y Wayne Kramer, de los MC5. Parece su manera de decir, si tengo éxito será por mi misma.

Con Horses and high heels, la cantante, compositora y actriz, nos ofrece un verdadero banquete musical grabado en el French Quarter de New Orleans, donde encontramos, como viene siendo habitual, versiones y canciones originales. Demostrando su buen gusto, el disco empieza con una versión de Stations, de Greg Dulli y Mark Lanegan. A partir de aquí se suceden temas como That’s how every empire falls, con tonos country y que pasará a engrosar la lista de sus mejores versiones. Entre los temas propios destaca Eternity, con un sampler con tonos árabe grabado por Brian Jones en 1968. También destacan Back in baby’s arms con su puntito gospel y The old house, los dos temas donde colabora Lou Reed.

Horses and high heels es un nuevo ejemplo de la clase y maestría de Marianne Faithfull y es un álbum exquisito que, como si de un homenaje a New Orleans se tratase, combina pop, rock, jazz y bastante soul. Un trabajo ecléctico en el que todo encaja perfectamente. Según la misma Marianne Faithfull se trata de un dico feliz, muy feliz, aunque como ella misma reconoce, la suya es una felicidad poco convencional. Esperemos que vuelva a pisar nuestros escenarios en su nueva gira mundial. Si nunca la habeis visto, teneis deberes. Encima de un escenario es aún mejor que en disco.

miércoles, 16 de marzo de 2011

Ispansi (Españoles)

Título original: Ispansi (Españoles)
Año: 2010
País: España
Dirección: Carlos Iglesias
Guión: Carlos Iglesias
Intérpretes: Carlos Iglesias, Esther Regina y Eloisa Vargas
Fotografía: Tote Trenas
Música
: Mario de Benito
Montaje: Miguel Ángel Santamaría

Valoración: 4/10
Web
: http://www.ispansi.es/



Ispansi (Españoles) nos cuenta la historia de los niños huérfanos enviados a Rusia durante la guerra civil española. Estos niños y los adultos que los acompañaban huían de una guerra y se vieron inmersos en otra, la Segunda Guerra Mundial. La cinta nos relata las penurias de un grupo de españoles intentando sobrevivir a las duras condiciones marcadas por la guerra y la nieve. En medio de estas calamidades, surgirá el amor, pero además de los problemas que ya tienen tendrán que luchar contra sus ideales políticos, ya que cada uno pertenece a uno de los bandos de las dos Españas.

Después de la aclamada 1 franco, 14 pesetas, parecía que nos íbamos a encontrar con la consagración de Carlos Iglesias en la dirección. Nada más lejos de la realidad. Ispansi es un ejercicio constante de autoindulgencia y demuestra claramente que una cosa es hacer una película menor y otra muy diferente gobernar algo con más entidad y pretensiones. Viendo Ispansi queda la sensación de que Carlos Iglesias es conocedor de sus limitaciones como actor y que para que no se note se rodea de amateurs que no resuelven bien unas escenas que sobre el guión podrían ser buenas.


Otro problema del que adolece la cinta es su gran ambición. La primera parte de la trilogía tuvo una buena acogida, pero era una obra menor. En Ispansi encontramos escenas excesivamente largas, como el flash-back anterior a la guerra civil, un montaje pretendidamente grandilocuente que combina de forma errónea un exceso de clasicismo con típicos errores modernos, una pretendida épica poética y unos efectos especiales innecesarios y mal resueltos como la nieve del principio. De todas maneras la cinta tiene algunas virtudes como la magnífica fotografía y un vestuario muy acertado y hará las delicias del público de una edad más avanzada.

En varias escenas de la película el pan blanco es protagonista. Y en el año de Pa negre no podía haber mejor o peor referencia para Ispansi. Las comparativas son siempre odiosas pero en este caso lo son más que nunca. Ispansi nos explica que las grandes víctimas de una guerra se encuentran en la población civil de ambos bandos, que los culpables están también en los dos lados de las trincheras y que quienes se llevan la peor parte son siempre los niños. Estos son los mismos temas que trata Pa negre, pero al margen de esto, lo que en una cinta son aciertos, en la otra son errores.

Lo mejor: La fotografía
Lo peor: Ver como la película le va demasiado grande a Carlos Iglesias

lunes, 14 de marzo de 2011

Phenomena marzo #2



Las sesiones de Phenomena están siendo todo un éxito y desde aquí queremos felicitar a Nacho Cerdà por esta genial idea y por darnos la oportunidad de disfrutar de estas joyas del cine en pantalla grande . En la última sesión, él mismo anunció la programación de la próxima cita. La fecha es el jueves 31 de marzo, la doble sesión: Desafío total y Aliens, el regreso.

Hay más novedades, el día 24, cómo aperitivo al preestreno de Piraña 3D, se proyectará también Piraña II: los vampiros del mar, de James Cameron.  Este mes algunos fans lo han catalogado como un marzo glorioso, y no es para menos.

Otra noticia más es que en breve se realizaran ciclos temáticos, vamos que la cosa está tirando y se nota. Las fechas del primer ciclo podrían ser del 14 al 17 de abril, pero aún no está confirmado. De momento las del día 31 ya se pueden comprar.

Desafío total (1990, Paul Verhoeven): Mítica cinta de ciencia ficción protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone inspirada en un relato del gran Philip K. Dick. El siempre polémico Paul Verhoeven recreó una de sus películas más entretenidas donde el personaje de Arnold Schwarrzenegger decide recurrir a un laboratorio que consiste en una empresa de vacaciones virtuales que le ofrece la oportunidad de materializar su sueño en Marte.

Aliens, el regreso (1986, James Cameron): Después del éxito de Ridely Scott con Alien, el octavo pasajero  y de un montón de posteriores películas similares (Xtro, Inseminoid, La cosa y Leaviathan), en 1986 James Cameron retomó la saga. En esta ocasión en lugar del terror claustrofóbico de la primera entrega, Cameron recrearía una cinta de acción y bichos a tope. Vuelve a Phenomena la teniente Ripley por todo lo alto!


Os dejamos con una entrevista de La finestra digital a Nacho Cerdà sobre Phenomena.

ACTUALIZACIÓN: Por una incidencia de última hora, la sesión de Piraña no se celebrará. La organización pide disculpas y promete que la proyectarán en otra ocasión!!

sábado, 12 de marzo de 2011

Los chicos están bien

Título original: The kids are all right
Año: 2010
País: USA
Dirección: Lisa Cholodenko
Guión: Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg
Intérpretes: Annette Bening, Julianne Moore y Mark Ruffalo
Fotografía: Igor Jadue-Lillo
Música: Nathan Larson, Craig Wedren
Montaje: Jeffrey M. Werner 

Web: http://filminfocus.com/the_kids_are_all_right
Valoración: 6/10


Nic (Anette Bening) y Jules (Julianne Moore), una pareja de lesbianas, viven con sus dos hijos adolescentes Joni (Mia Wasikowka) y Laser (Josh Hutcherson), ambos fruto de una inseminación artificial. Cuando Joni llega a la mayoría de edad cede a las constantes peticiones de su hermano referentes a encontrar a su padre biológico (Mark Ruffalo). Una vez consiguen encontrarlo pretenden que forme parte de sus vidas, decisión que entrará en conflicto con sus madres. Las cosas se irán complicando a medida que la vida de los cinco empieza a mezclarse.

Una de las intenciones más nobles de la película es demostrar la normalidad en la vida de una familia gay, llegando a la conclusión de que al final todos los tipos de familias tienen los mismos problemas: conflictos con hijos adolescentes, crisis matrimoniales, infidelidades, etc. Esta tarea la realiza con muy buen gusto y sin llegar al drama extremo, cosa que le pega mucho a la cinta.


Típica comedia con toques dramáticos y con cierto tufillo a indie (A lo Pequeña Miss Sunchine, Juno, etc). Detrás de un guión que se podría decir bastante acertado se esconden tres magníficas interpretaciones. Anette Bening representa la parte masculina de la pareja – un poco tópico-  y está en estado de gracia permanente. Julian Moore, la parte sensible y más femenina de la pareja, pasando por una crisis sentimental y profesional, también esplendida. Mark Ruffalo tampoco se queda atrás y ofrece una versión del típico solterón encantador que cae bien a todos y que está a la altura de sus dos compañeras de reparto – atención al duelo Bening vs Ruffalo durante la cena ovacionando el disco Blue de Joni Mitchell, la mejor escena de la película. Una vez realizado el análisis de los actores, no queda mucho más que decir, el argumento es bastante predecible y se nutre constantemente de situaciones tópicas. De todas formas aunque no sea una gran película, es todo un  espectáculo ver a estos tres actores en estado de gracia.

Los chicos están bien junto con Winter’s bone cubrieron la cuota indie en la pasada ceremonia de los Oscar. La película cosechó 4 nominaciones estando entre las 10 favoritas a mejor película. Una vez más Anette Bening se fue sin la estatuilla, lo tenía muy difícil ante una soberbia Natalie Portman en Cisne negro. Julian Moore se quedó fuera de las nominaciones (este año las actrices de reparto estaban muy reñidas) y Mark Ruffalo ya se puede dar por premiado con su nominación. La directora Lisa Cholodenko nos ofrece una comedia de situaciones entretenida a pesar de estar sobrevalorada en muchos aspectos.

Lo mejor: Todo el reparto.
Lo peor: Excesivamente tópica.


jueves, 10 de marzo de 2011

De charla con Agustí Villaronga


Con motivo de la salida a la venta en DVD y Blu-ray de la última triunfadora en los Goya, Pa negre, Agustí Villaronga dio una charla ayer en la Fnac Triangle de Barcelona. En ella a parte de presentar las ediciones publicadas, se le pudieron hacer varias preguntas al director.

Agustí comentó que les ha pillado totalmente por sorpresa el éxito y la avalancha de premios que ha recibido la película, incluso bromea diciendo: "Aun no entiendo lo que ha pasado con esta película". Después enumeró las que para él son las claves del éxito de la película. Por un lado una buena distribución, también está  el hecho de que la crítica haya protegido la película, debido a que les ha gustado y han decidido apostar por ella. A pesar de ser una cinta con poca publicidad, el beneplácito de la crítica ha ayudado mucho (nombra los ejemplos del Festival de San Sebastián y del crítico Carlos Boyero). Finalmente concluye con la clave principal: "La película se defiende por sí sola".

Habló del reto de distribuir Pa negre a nivel internacional y de las dificultades que podría tener en Estados Unidos, comenta en tono de broma: “En una película americana pueden morir 80 personas y no pasa nada pero cuando vean, nada más empezar la peli, la escena del caballo se les van a quedar los pelos de punta”.

También con muy buen sentido del humor respondió a una pregunta referente a las críticas recibidas después de triunfar en los Goya (aquellas del triunfo el lobby gay y catalán en los Goya) y opina que las críticas se descalifican en sí mismas.


En una de las preguntas Agustí reconoció que hay un paralelismo entre La cinta blanca de Haneke y Pa negre, las dos hablan del origen del mal y del efecto sobre los niños. Una generación que durante los años de la dictadura se tuvo que ir adaptando a la situación. Le encanta Haneke y como buen fan le gusta que le digan que su cine se parece al de Haneke aunque no pretende compararse con él en absoluto. Explicó que necesita trabajar en proyectos que le gustan. Pa negre le toca mucho, por el tema de la destrucción de la inocencia. Cómo un niño debido a la actitud de los adultos puede llegar a convertirse en un monstruo, a pesar de que nunca hay buenos ni malos absolutos. Confesó que le gusta el hecho de enseñar personajes de moral dudosa ya que la vida real es así, los propios malos siempre tienen una motivación.

Ante la pregunta de si hubiese sido mejor enviar Pa negre a los Oscar en lugar de También la lluvia, Villaronga responde que es una cuestión de fechas de estreno y que podría ser que tuviese posibilidades el año que viene, de todas formas concluye con que es muy complicado todo el tema de selección de películas y de premios.

Genial director con un gran sentido del humor y muy cercano al público. Se publican varias ediciones de la película, en DVD hay tres (básica, especial e íntegra catalán) y dos en Blu-ray (castellano, catalán). Villaronga recomienda especialmente, de los extras de la peli, el Making Off, dice que no es nada tradicional. También se ha publicado un Pack de sus anteriores películas con los siguientes títulos: Tras el cristal, El pasajero clandestino, El mar y Aro Tolbukhin , por 35 euros. Por último cuando está acabando la charla me hago una pequeña reflexión, ante la pregunta de si se iban a publicar sus películas anteriores en blu ray, Agustí ha respondido que en Estados Unidos se va a publicar el Blu-ray de Tras el cristal y de El mar pero que aquí de momento no, es decir, estamos ante otro director que está más valorado fuera que en su propio país.


Por si aun no os ha quedado claro que estáis ante una gran película, os dejo la crítica que hicimos en Despuesde1984 en su día.

miércoles, 9 de marzo de 2011

Film&Cook


Nueva iniciativa en la ciudad: del 10 al 13 de marzo se celebra el Film&Cook, el primer festival de cine y gastronomía en Barcelona. Tendrá lugar en el espacio FAD (Foment de les Arts i el Disseny), al lado de la Plaça dels Àngels. Con una programación cinematográfica estrechamente relacionada con la gastronomía se realizarán proyecciones de películas, cortometrajes y documentales. Con un precio de entre 8 y 12 euros por entrada los espectadores podrán disfrutar de un pack cine+gastronomía en cada sesión con la proyección de la película más una sesión gastronómica posterior (demostración, taller, coloquio o degustación).

También estará presente un espacio Drink&Food con muy buenas propuestas gastronómicas, incluso unas palomitas (479 PopCorn) hechas de granos de maíz orgánicos de sabores innovadores como sésamo o trufa blanca. Para los noctámbulos han hecho un Pack golfo: Película más sesión de cocktelería con DJ después de la proyección.

Aquí tenéis la lista de los chefs que estarán presentes en algunas de las sesiones: Andoni Luís Aduriz (Mugaritz), Mey Hofmann (Hofmann), Angel Pascual (Lluçanès), Pere Planamagumà (Les Cols), Xoán Crujeiras (A Estación), Jordi Herrera (Manairó), Manuel Jara (Masquepostres), Daniel Brin (La Maison du Languedoc Roussillon), Josean Merino (Marmitaco), Carles Mampel (Bubó), Carme Ruscalleda (Sant Pau) y Joaquín Oristrell,  Ferran Adrià (El Bulli), Gereon Wetzel y Anna Ginestí. 

En la parte cinematográfica destacamos:

Películas
  • Soul Kitchen (Alemania, 2009): Comedia gastronómica que nos presenta a Zinos, el dueño de un restaurante que tendrá que pasar por las mil y una: su novia se muda a Shanghai, sus clientes boicotean a su nuevo chef, su inestable hermano acaba de salir de la cárcel y además pretenden derribar su restaurante para construir viviendas. Premio Especial del jurado en el Festival de Venecia.
  • Trilogía de Yusuf (Turquía): formada por las películas Huevo (2007), Leche (2008) y Miel (2010) de Semih Kaplanoglu, uno de los directores y guionistas contemporáneos más aclamados de Turquía. Curiosa trilogía en la que al protagonista, Yusuf, lo vemos más joven en cada entrega. La más recomendable: Miel.
  • 18 Comidas (España, 2010): El director Jorge Coira nos presenta una original propuesta  basada en seis historias a lo largo de un único día con desayunos, almuerzos y cenas abiertos a todo lo que pueda suceder.
  • Bon Appétit (España, 2010): La película que ganó el Goya a la mejor dirección novel en la última edición que trata de Daniel, un joven chef que ha conseguido su sueño, una plaza en el pretigioso restaurante de Thomas Wackerle en Zurich y que se enamora de la sumiller del restaurante.
  • Mammuth (Francia, 2010): Mammuth (Gérard Depardieu) es un trabajador de un matadero, gordito y tímido, que acaba de cumplir sesenta años. Con motivo de su jubilación, sus compañeros le montan una fiesta de despedida. El hombre lleva trabajando desde los dieciseis, en múltiples trabajos, y nunca ha faltado un día al trabajo, ni siquiera por enfermedad. Es hora de un merecido descanso, pero un problema surge cuando Mammuth quiere cobrar su pensión, pues tiene que acreditar toda su caótica vida laboral con documentos, y Mammuth no los tiene.
  • Lo que más quiero (Argentina, 2010): Pilar vive en el Sur, hace poco perdió a su padre y está sola. María vino a visitarla, a hacerle compañía, escapando de su novio, del que está a punto de separarse. Ninguna tiene la capacidad de consolar a la otra. Ninguna sabe qué es lo que quiere. Apenas saben lo que no quieren. No quieren volver a sus vidas. No quieren pensar en el futuro. No quieren estar solas. No quieren que estas vacaciones se terminen. Una maderera a punto de cerrar, un caballo y una perra, algunos hombres, un poco de alcohol y las aguas frías de los lagos del Sur.
  • 24 Hour Party People (Reino Unido, 2002): Película de culto que muestra la historia del espectacular ascenso de la discográfica Factory Records de Manchester, lugar de origen de grupos como Joy Division, New Order y Happy Mondays. Fabulosa crónica del ascenso del sonido Manchester a finales de los 70, movimiento que marcaría las dos siguiente décadas en el marco de la música pop.

Documentales

  • Mugaritz la cocina inacabada (España, 2010): dirigida por Gentzane Martínez de Osaba, José María Argoitia y Alex García de Bikuña, relata el incendio y el proceso de reconstrucción del restaurante Mugaritz, comandado por el cocinero vasco Andoni Luis Aduriz.
  • El Bulli: cooking in progress (Alemania, 2010): producción alemana dirigida por Gereon Wetzel, quien ha seguido al equipo creativo de elBulli durante casi dos años.
  • El viaje de Jane (Alemania, 2010): Hace casi 25 años, la Dra. Jane Goodall, una prestigiosa primatóloga y naturalista que tiene ahora 76 años, renunció a su carrera científica para dedicar su tiempo y sus energías a una misión: salvar nuestro planeta.
  • Guest (España, 2010): El cineasta José Luis Guerin muestra su experiencia durante un año como invitado de diversos festivales de cine, en los que presenta su trabajo. Sus andanzas por ciudades desconocidas, le permiteron retratar personajes y momentos fugaces que dejaron en su cámara una huella similar a la de los dibujos improvisados con un par de trazos. El resultado es un retrato de las gentes que conoció, al apartarse de las rutas habituales de las principales ciudades del mundo.

martes, 8 de marzo de 2011

Radiohead - The King of limbs

Radiohead
The king of limbs


Fecha lanzamiento: 18/02/2011
Discográfica: TBD Records
Valoración: 7/10








Con unos días de retraso respecto al resto del planeta, llega a Después de 1984 la crítica del último trabajo de Radiohead, The king of limbs. El motivo de no publicarla el mismo día de su lanzamiento fue que no queríamos hacer una crítica precipitada, aunque al final se nos ha ido un poco el tiempo...

Cuando se anunció su lanzamiento quedó claro en Internet que se trataba del momento musical más esperado del año. Leyendo lo que se escribió ese día se confirma que todo el mundo lo esperaba con muchas ganas, pero visto lo visto no era para escucharlos sino para ponerlos verdes. Por ejemplo, en Mondosonoro se puede leer "como viene siendo habitual en Radiohead, es un álbum que requiere de buenas dosis de vaselina para anular el tedio que subconscientemente provoca en las primeras escuchas". Se tiene que reconocer que no es su mejor trabajo. Incluso que probablemente sea su peor disco hasta la fecha, pero de ahí a las barbaridades que circulan por la Red hay un trecho. Si en lugar de venir firmado por Radiohead fuese de una banda nueva, seguro que más de uno de los que lo critican lo estaría alabando.

The king of limbs es su álbum más corto, con ocho canciones en 37 minutos. Aun así encontramos dos mitades bastante diferenciadas. La primera parte es más experimental y prima la música sobre las canciones. En la segunda mitad del disco encontramos los 4 temas más convencionales, si es que se puede usar esa palabra hablando de Radiohead.


El disco empieza con Bloom, un arranque similar al de In rainbows por la percusión, la distorsión y los ruiditos, pero que evoluciona en algo más jazzie, menos tradicional que en su anterior trabajo. A continuación viene Morning Mr Magpie, que los fans de la banda recordarán de hace tiempo pero en una versión más acorde al álbum. Little by little es en mi opinión la mejor de esta primera parte y combina a la perfección la electrónica con lo tradicional, además es un tanto claustrofóbica y la más Radiohead de todo el álbum. Para cerrar esta primera parte encontramos Fereal, muy en la línea de The Eraser, el disco en solitario de Thom Yorke, con beats, loops, idas y venidas, repeticiones, ...

A partir de aquí y para los que no hayan abandonado, está la mitad que algunos esperaban. Lotus flower con sus bases electrónicas y la hipnótica voz de Yorke es una gran elección como primer single ya que es el perfecto resumen de lo que nos encontraremos dentro y es posiblemente el corte más sencillo de apreciar en una primera escucha. Le sigue Codex, balada de piano hipnótica, delicada, intensa y algo fantasmagórica. Es probablemente la más convencional y la que hará las delicias de los fans de temas como Pyramid Song. Give up the ghost sigue en la línea acústica. Este tema con guitarra de fondo y la voz de Thom Yorke superproducida flotando por encima tiene un precioso tono gospel y hiere como suelen hacer los temas de la banda. Para cerrar el disco, Separator, que empieza más animada que las demás, con bajo y guitarra y una batería continua.

En una primera escucha, The king of limbs puede parecer un disco evidente, hijo directo del cruce entre In rainbows y The eraser, pero a diferencia de In rainbows, que era mucho más "humano", The king of limbs es más electrónico y esquiva voluntariamenmte el pop y el rock convencional. Pese a no ser ni de lejos un gran cambio de estilo, The king of limbs suena a nuevo, aunque poco para lo que se esperaba después de 3 años de silencio y no parece marcar una gran ruptura como hicieron The Bends, OK Computer o Kid A. El disco es mucho más tranquilo y reflexivo que los anteriores, menos atormentado y también más desnudo y destaca la invasión de beats y sonidos que adornan el disco y el tratamiento cristalino de la voz de Thom Yorke que canta de una forma más susurrante e intima.

Para los que no os ha gustado os recomiendo una segunda escucha, recordad que todos los álbums de Radiohead crecen al escucharlos con detenimiento y tiempo y este no es una excepción. Si aún así sigue sin gustaros nada, aceptadlo, Radiohead nunca va a volver a grabar un disco como The Bends o OK Computer y no me refiero a calidad, sino a estilo. Radiohead ha muerto, viva Radiohead

Os dejamos con la versión primitiva de Morning Mr Magpie: 


domingo, 6 de marzo de 2011

The fighter

Título original: The fighter
Año: 2010
País: USA
Dirección: David O. Russell
Guión: Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson
Intérpretes: Mark Wahlberg, Christian Bale y Melissa Leo
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Música: Michael Brook
Montaje
: Pamela Martin

Web: http://www.thefightermovie.com/
Valoración: 7/10



The fighter nos cuenta la historia real de los hermanos Dicky Eklund y Micky Ward, dos boxeadores que se encuentran en momentos vitales completamente diferentes. Micky es un boxeador emergente con una carrera prometedora mientras que Dicky, que ganó a Sugar Ray y se convirtió en una estrella, ahora es un deshecho de la sociedad por su adicción al crack. A su alrededor nos encontramos con su numerosa familia, dominada por la madre y manager de los dos, que está más preocupada por la vuelta al ring de Dicky que por la ascensión de Micky, y sólo le consigue combates desiguales en los que lo destrozan. Después de un fatal combate en Las Vegas, Micky se plantea abandonar profesionalmente a su familia para poder triunfar en el mundo del boxeo. Este hecho desata una lucha familiar mucho más salvaje que los combates en el ring.

Desde la primera escena, donde vemos como la HBO está grabando un documental sobre la relación de Eklund con las drogas, todo tiene un estilo próximo al falso documental, con bastante uso de la cámara en mano, y eso le da un tono de autenticidad que le va como un guante. La galería de personajes que van desfilando es muy rica y además de los protagonistas de la historia, podemos ver a todos los personajillos marginales del barrio y a las siete hermanas de los protagonistas, unas marujas de descendencia irlandesa perfectamente ochenteras con sus crepados y su ropa de mercadillo aspirantes a ser las princesas del barrio.

Lo mejor de The fighter son las magníficas interpretaciones de todo el elenco. Destaca por encima de todos Christian Bale, en el papel del yonky Dicky Eklund. De su interpretación no se tiene que destacar sólo el cambio físico sino especialmente el alto nivel interpretativo al que ya nos tiene acostumbrados. Acompañándolo está Melissa Leo interpretando a la madre controladora. Pese a tener algún momento en el que ambos sobreactúan, el conjunto de los dos papeles es impresionante y les sirvió para llevarse el Oscar a casa. Junto a ellos, la nominada Amy Adams inerpretando a la novia de Micky también está perfecta y Mark Wahlberg está más que correcto pese a tener un papel con menos momentos de lucimiento.


Darren Aronofsky es uno de los productores ejecutivos y podemos ver algunos paralelismos con sus películas. Además de la proximidad del tema con The wrestler también encontramos esas ganas de llevar a los actores hasta el límite de sus posibilidades físicas, la marginalidad de la vida de sus protagonistas y la decadencia de sus vidas. También podemos encontrar paralelismos con la magnífica Animal Kingdom, especialmente en el papel de las madres y las familias marginales; y cómo no, con otras películas sobre el mundo del boxeo. The fighter es heredera directa de la decadencia de Toro Salvaje y del triunfalismo de Rocky.

David O. Russell consigue una cinta solvente con muy pocos elementos. Un guión correcto basado en hechos reales con la típica historia de superación, una perfecta ambientación en los 80, una selección de canciones con gracia, un montaje fluido y creíble, unos combates bien rodados, con formato televisivo, sin excesos ni cámaras lentas y por encima de todo un toque casposo perfectamente premeditado son sus mejores golpes.

The fighter encuentra su mejor paralelismo en uno de sus propios personajes. Tal y como hace Micky en el ring, la película no empieza con un gran gancho, ni golpea duro, sino que aguanta el tipo a lo largo de todo el metraje, para resultar vencedora de forma sorprendente e inesperada.

Lo mejor: Christian Bale interpretando al Potro de Vallecas americano
Lo peor: La falta de ambición que evita que nos ofrezca nada nuevo

viernes, 4 de marzo de 2011

Winter's bone

Título original: Winter's bone
Año: 2010
País: USA
Dirección: Debra Granik
Guión: Debra Granik y Anne Rosellini
Novela: Daniel Woodrell  
Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes y Dale Dickey
Fotografía: Michael McDonough
Música: Dickon Hinchliffe
Montaje: Affonso Gonçalves

Valoración: 7/10
Web: http://www.wintersbonemovie.com/



Winter’s bone nos presenta la historia de Ree, una joven de 17 años orgullosa, de carácter fuerte y duro que lleva las riendas de una familia desestructurada, con su padre en libertad bajo fianza desaparecido, su madre en un estado mental pseudovegetal y con dos hermanos pequeños. Al salir de la cárcel su padre puso como fianza la casa donde viven y ahora si no se presenta al juicio la perderán. Con este punto de partida Ree se lanza a la búsqueda de su padre, traficante de drogas de la zona. En su sombría aventura por la supervivencia se las va a tener que ver con traficantes y “cocineros de crack” de la peor calaña que habitan en la montaña.

Sin duda alguna si por algo destaca Winter’s bone no es por su trama, que no es gran cosa, ni por su ritmo. Estamos ante una película lenta cuyos méritos se deben a una excelente ambientación misteriosa, fría e hibernal y a un muestrario de paletos muy duros y mafiosos. En este universo sórdido y rodeado por la miseria destaca la sensacional interpretación de Jennifer Lawrence, la heroína indiscutible de la película sin ningún tipo de sentimentalismo barato.



De todos los secundarios que van apareciendo a lo largo de la cinta destacamos la interpretación de Dale Dickey, fría y tremendamente hostil, como el espíritu constante de la película. John Hawkes, que consiguió una nominación al Oscar a mejor actor de reparto, interpreta al tío de Ree, uno de los secundarios con más peso de la película,  a pesar de que a lo largo de toda la cinta da la sensación que se antepone la figura de la mujer por encima de la del hombre.

Película que con un presupuesto muy bajo se nos presenta como una cinta de cine independiente al borde de la serie B. La lástima es quedarse con la sensación de que Winter’s bone podría haber dado mucho más de sí con todos los ingredientes que tiene. Sorprende ver a Winter’s bone nominada al Oscar a mejor película y además pudo disfrutar de tres nominaciones más: actriz, actor de reparto y guión adaptado. Como era de esperar no se llevó ningún Oscar, de todas formas tiene la satisfacción de haber conseguido el Gran premio del jurado y el premio al mejor guión en el pasado festival de Sundande.

Lo mejor: El retrato de una América muy profunda y rancia
Lo peor: No explota todo el potencial que tiene y se queda en una película bastante corriente

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